Top 10 : les meilleurs films de 2015

Si le film de genre sud-coréen n’a plus trop droit de cité sur les écrans, faute d’attirer assez de spectateurs, l’année 2015 aura été plus positive pour les fans de cette cinématographie bouillonnante de créativité. Le très noir et impressionnant Sea Fog a marqué les esprits, mais c’est aussi et surtout en début d’année que la Corée du Sud s’est fait remarquer, avec la sortie en catimini de cet épatant Hard Day. Ce polar cynique, qui s’accroche aux basques d’un policier ripou confronté à une avalanche d’emmerdes, est un somptueux divertissement qui se double d’une attaque en règle de la corruption étatique. Le film parvient à intégrer cette charge féroce à une structure ludique : la façon dont cet inspecteur sans scrupules se sort, parfois in extremis, des embrouilles qui lui tombent sur la tête, est parfaitement jouissive, même si le dénouement sacrifie un peu trop aux poncifs du genre.

Depuis combien de temps le cinéma ne vous avait-il pas fait trembler, vibrer et sursauter ? Robert Zemeckis, à qui l’on doit, faut-il le rappeler la trilogie Retour vers le futur, maîtrise parfaitement ce cinéma « à sensation », d’autant qu’avec l’histoire du funambule français Philippe Petit, il dispose d’une matière foisonnante et belle. En 1974, l’acrobate a posé son fil entre les deux tours du World Trade Center pour une virée poétique au nez et à la barbe des forces de l’ordre. Pour raconter cet exploit, Zemeckis a pris le temps d’installer son personnage obsédé par cet objectif désintéressé incarné par Joseph Gordon-Levitt, sa petite amie (Charlotte Le Bon, excellente) et son mentor (Ben Kingsley, qui incarne parfaitement un maître des arts forains). Bref, si vous aimez retomber en enfance et les sensations inédites, The Walk constitue balade aérienne inoubliable.

C’est un fait : le cinéma d’horreur a livré peu de perles ces derniers temps. Peu de bombes susceptibles de rester en mémoire par leur côté novateur, leur capacité à créer un univers pertinent. S’il n’a pas forcément fait l’unanimité, It Follows fait pourtant bien partie de ces claques qu’on espérait plus. Et il n’est pas dû à un connaisseur du genre, bien au contraire : David Robert Mitchell n’avait signé qu’un long-métrage auparavant (The Myth of the American Sleepover), et c’était une chronique adolescente éthérée. D’une certaine manière, le réalisateur a poursuivi son exploration de la jeunesse américaine avec It Follows. Sauf qu’il y a ajouté une histoire de malédiction sexuelle se matérialisant par des spectres poursuivant lentement leurs victimes, dans tous les coins du cadre. Une idée qui justifie une mise en scène héritée du Halloween de Carpenter, et charrie avec elle son lot de symboles et de métaphores sur le passage à l’âge adulte. Intelligent, flippant, visuellement somptueux, It Follows a tout pour jouer dans la cour des grands.

Ana Lily Amirpour parle dans ce surprenant film de la place de la femme en Iran, mais d’une manière inattendue et brillante. Il y a cette photo particulière, un superbe noir et blanc teinté de notes de rouge. Ensuite, il y a l’actrice Sheila Vand (Argo) qui déambule dans une ville fictive pour planter ses dents de vampires dans la chair de tous les ennemis de la liberté. Cette « Fille » est vêtue d’une burqa ouverte et ses yeux sont aussi noirs que la mort. Chacun de ses pas vampiriques évoque à la fois les Monty Python, Quentin Tarantino, Nosferatu ou bien encore le western. Entre poésie, hommages tous azimuts, beauté visuelle et musicale, A Girl Walks Home Alone at Night est une des perles de 2015 à découvrir d’urgence.

Bien qu’il nous ait pris par surprise avec Rush, biopic automobile dopé aux embardées expérimentales, on attendait pas de Ron Howard un film aussi puissant et grisant qu‘Au cœur de l’océan. Mise en images d’une histoire ayant fortement inspiré la création de Moby Dick, ce grand film d’aventures nous plonge avec maestria dans une époque révolue, celle des baleiniers du XVIIIe siècle. Capitalisant sur des effets spéciaux bluffants de réalisme (excepté peut-être lors de quelques plans trop nettement trafiqués), Au cœur de l’océan déroule un récit linéaire mais sublimé par un souffle mythologique caractéristique des légendes orales. La mise en scène de Howard est au diapason : furieuse, inspirée, osant des parti-pris tranchés (la photo d’Andrew Dod Mantle, le rythme patient), elle contribue à créer ce sentiment de voyage épique et sans compromis, le genre de spectacle qu’Hollywood n’ose plus vraiment créer.

Le cinéma n’aime rien mieux que de parler de ses acteurs, de l’art de la comédie et du grain de folie qui habite chaque performance. Nouvel exemple d’oeuvre explorant la psyché du comédien et l’envers du décor de l’industrie (en l’occurrence celle de Broadway, mais les symptômes sont les mêmes), Birdman s’est d’emblée distingué des autres, d’une part par l’excellence de la performance de Michael Keaton, littéralement ressuscité à l’écran, et par le challenge technique relevé par Alejandro Gonzalez Inarritu. Constitué de plans-séquences virevoltants, synchronisés à la perfection et bourrés d’effets visuels indétectables – enfin, sauf quand Keaton se trouve pris dans un délire super-héroïque -, Birdman tente dans un seul élan de faire ressentir l’adrénaline de la scène, le narcissisme indispensable pour pouvoir y créer l’art, et  la folie inhérente à toute plongée mentale dans un quotidien fictionnel. Conceptuel, oui, sûrement. Mais quel concept. Et quel film !

Auteur d’une première partie de carrière remarquable à tous niveaux, Denis Villeneuve est parvenu avec Sicario à une forme d’accomplissement artistique. Derrière ses apparences de thriller post-Traffic sur la guerre menée par les USA contre la drogue, Sicario s’avère être une peinture redoutable, sèche et impressionnante, d’un monde parallèle où l’apathie et la mort ont intégré tous les rouages de la société. Il n’y a rien de galvanisant dans le parcours de l’agent du FBI Kate Macer (Emily Blunt, parfaite), avatar de la Jessica Chastain de Zero Dark Thirty confronté à un univers et des enjeux qui la dépassent. Villeneuve, toujours aidé du chef op’ Roger Deakins, surpasse d’un cran son travail sur Prisoners, pour bâtir autour de cette héroïne complexe et torturée une toile angoissante, oppressante, confiant au magnétique Benicio Del Toro le soin d’être l’araignée en titre, l’incarnation de l’impasse dans laquelle l’Amérique s’est retrouvée dans sa guerre contre les cartels.

Revisiter le mythe de Dracula sous la forme d’un thriller d’anticipation en 2015, il fallait oser et le scénariste britannique Alex Garland l’a fait ! Dans la maison aussi i-tech que glaciale de son boss, un jeune codeur rencontre Eva, un robot qui va bouleverser ses repères. Si cette machine a un visage humain et un corps de fer, elle est bien décidée à compter parmi les êtres de chair. La réussite du réalisateur réside dans le basculement subtil entre l’expérience scientifique en hui clos, porté par des acteurs impliqués – Oscar Isaac y est démoniaque – et l’horreur pure.

Terminée la période des hésitations de production et des suites sans gloire. Pour un temps au moins, le studio Pixar est revenu au firmament de l’animation, par la grâce d’un projet longtemps mûri par son génial réalisateur Pete Docter. Aussi incroyable qu’il paraisse, Vice-Versa a réussi à rendre immédiatement familier et compréhensible un concept en tous points casse-gueule : le film consiste bel et bien en un va-et-vient entre l’intérieur et l’extérieur du cerveau d’une petite fille, entre l’action et la réflexion. Bien sûr, il a fallu simplifier le principe des personnages/émotions (ils ne sont que cinq, tout de même), installer une géographie « cervicale » attirante et colorée. Mais sur ce canevas bien secoué, Docter a bâti une histoire tout simplement brillante, car universelle et évocatrice. Les idées les plus dingues côtoient les émotions les plus brutes, dans un tourbillon d’inventivité comme on avait pas connu chez le studio à la lampe depuis Wall-E. Qu’importe que le futur soit fait de Némo 2 ou de Toy Story 4 : avec Vice-Versa, Pixar est remonté pour l’heure très haut dans notre estime. Direct au cerveau, en passant par le cœur !

Nous l’avions senti dès la vision du premier trailer issu du Comic-Con, et le mois de mai l’a confirmé au-delà de toute espérance : Mad Max : Fury Road est bien la claque de l’année qu’il promettait d’être. Ses conditions de production apocalyptiques, sa genèse tourmentée, son existence au sein d’une industrie qui ne jure habituellement que par les dialogues pré-mâchés et les héros pas trop ambigus, son intransigeance narrative et l’invraisemblable perfection de son montage… Tout concourt à faire du quatrième Mad Max une exception, un événement, et un petit miracle qui a imposé le respect et forcé l’admiration partout où il est passé. Ceux qui restent insensibles à ses charmes (parce qu’il est – en apparence – trop simple, parce que Max n’est pas vraiment le héros de son propre film) passent à côté d’un trésor inépuisable, qui se raconte, se comprend et nous questionne avant tout par l’image, et par les milliers de détails qui peuplent l’arrière-plan. Faites le test : y a-t-il un autre film de 2015 qui ait inspiré autant d’analyses, de détournements, et ait réuni dans un même élan les fans de Georges Miller, la vieille garde de la critique et le grand public ? Aucun, et c’est normal : Fury Road a déjà écrasé de son empreinte notre pop culture moderne, dans un grand fracas métallique et un nuage mordoré de poussière. Welcome back, Max.

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